ＪＯＪＯ 芸術的存在感 荒木飛呂彦原画展、東京から11月に大阪へ
東京・国立新美術館で「荒木飛呂彦（ひろひこ）原画展 ＪＯＪＯ（ジョジョ） 冒険の波紋」を見た。同展は間違いなく今年、最も話題になったマンガ展のひとつだが、美術業界全体で言っても、今後、エポックメイキングな展覧会として振り返られることになるだろう。
「ＪＯＪＯ」とは、言うまでもなく、荒木飛呂彦のマンガ作品「ジョジョの奇妙な冒険」シリーズのことだ。１９８６年末に「週刊少年ジャンプ」で連載を開始。それ以降、ある一族の「ジョジョ」と呼ばれてきた歴代の人物と、一人の男との数世代にわたる因縁の対決を中心とした物語として、３０年にわたって描き継がれてきた。同展は、現在も連載中のこの人気シリーズの原画（生原稿）を中心に紹介するマンガ展である。
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この展覧会では、マンガは「キャラクター」「ストーリー」「世界観」「テーマ」「絵」という要素で成り立つものとされている。この五つの要素は展覧会全体の章立てとも呼応し、来場者はそれぞれの魅力をテーマごとに意識できるようになっている。
特に、「絵」の部分に対応する「Ｊｏｊｏ’ｓ Ｄｅｓｉｇｎ」および「ジョジョとアート」というセクションは重要だ。本展は、１９９０年に東京国立近代美術館で開催された「手塚治虫展」以来、約３０年ぶりに国立の美術館で開催されたマンガ家の大規模個展だからだ。「手塚展」は当時の美術界に議論を巻き起こした。国がマンガを芸術と認めたと受け止められ、マンガの社会的位置付けが大きく変わるきっかけとなった。
今回、「ＪＯＪＯ」展が国立の美術館で開催されるにあたって、「手塚展」の時のような議論が起こらなかったことには隔世の感がある。それでも、「ジョジョ」を「アート」と「デザイン」の歴史の系譜上に位置付ける作業は、美術館として必要なことだったようだ。
「手塚展」は原画を額装して並べるだけのシンプルな展示だった。だが、この３０年でマンガ展も様々な挑戦をし、変わってきた。「手塚展」以後に進展し、「ＪＯＪＯ」展にも反映されていたのは、現代美術との接近、そして空間デザインの進化だろう。
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９０年代、村上隆やヤノベケンジら６０年代生まれの現代美術作家がマンガをテーマとする作品を次々と発表し、現代美術ブームのきっかけを作った。「ＴＨＥドラえもん展」（０２年）や「ＧＵＮＤＡＭ（ガンダム）展」（０５年）のような、マンガやアニメがテーマの現代美術展が次々と開かれ、話題になった。「ＪＯＪＯ」展でも、現代美術作家の小谷（おだに）元彦が極めて印象的な彫刻作品を出展し、マンガを読むだけでは感じられない「ジョジョ」の世界を演出している。
空間デザインに注目しても、今回の「ＪＯＪＯ」展はマンガ展の成熟を感じさせるものだ。展覧会とは、会場をどのように仕切り、どのような位置に展示物を配置するかによって、作家の世界観や作品の解釈を体感させる、一種の空間表現である。本で読むのとは異なる体験を提供することにこそ、美術館でマンガ展を開く大きな意味があると筆者は考えるが、それが意識されたマンガ展は少ない。
昨年、仙台市のせんだいメディアテークで開催された「荒木飛呂彦原画展 ジョジョ展 ｉｎ Ｓ市杜王（もりおう）町 ２０１７」では、元々低い天井の会場を迷路のように仕切り、最新シリーズで展開される閉塞（へいそく）した室内でのサスペンスを演出していた。一方、今回の「ＪＯＪＯ」展東京会場では、企画展示室の８メートルという天井高を巧みに利用し、開放的空間を構成している。同じ作品を扱いながら、まったく異なる印象の展覧会となっていることにも注目したい。
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「荒木飛呂彦原画展 ＪＯＪＯ 冒険の波紋」は11月25日～2019年1月14日、大阪市港区の大阪文化館・天保山で大阪会場が開催される。＝朝日新聞2018年9月28日掲載
